Atelier interdisciplinaire du CESCM (13 au 17 janvier 2014) – 2/5

Mardi 14 janvier 2014

Cette matinée de l’atelier interdisciplinaire du CESCM a mêlé iconographie et épigraphie, avec deux conférences tenues respectivement par Sébastien Biay et Estelle Ingrand-Varenne, ingénieurs d’étude au CESCM.

Dans son Évocation du chant liturgique dans la sculpture romaneSébastien Biay est revenu sur l’un des points développés dans sa thèse, consacrée aux chapiteaux du rond-point de la dernière abbatiale de Cluny1. À savoir, l’analyse de deux chapiteaux portant des représentations de musiciens ainsi que des inscriptions, formant un poème qui évoque les huit tons du « plain-chant » grégorien. L’auteur a insisté sur les diverses étrangetés, pour reprendre ses termes, liées à ces chapiteaux, qu’il s’agisse de leur sujet poético-théorique ou de l’apparente incohérence de l’un des instruments, hybride patatoïde mêlant cithare, lyres romaine et teutonique. La diversité de ses méthodes d’approche reflète la richesse de sa thèse, qui développe sur plusieurs centaines de pages des raisonnements que l’auteur a dû pour l’occasion résumer, voire éluder, et l’on serait bien en peine de lui en tenir rigueur. Une rigoureuse analyse syntaxique et philologique des inscriptions a d’abord amené Sébastien Biay à concevoir ce poème comme une métaphore de la compréhension et de la conversion, préparées dans le cœur puis l’esprit des officiants (selon une formule empruntée à Remi d’Auxerre) par les chants liturgiques qui étaient exécutés lors des célébrations. La recherche de textes théologiques se rapportant à la musique liturgique, tels ceux d’Augustin ou d’Amalaire de Metz, a fourni à l’auteur des clés possibles de compréhension du message sibyllin des chapiteaux. Leurs instrumentistes peuvent ainsi être interprétés comme les images allégoriques des moines devenant, au cœur de la célébration, les instruments d’un Salut individuel et collectif.

Une analyse plus détaillée du chapiteau fut proposée, portant la représentation du troisième ton, auquel est adjointe une inscription évoquant la Résurrection du Christ (« Le troisième jaillit et représente le Christ qui ressuscite » (Tertius impingit Chr(istu)m que resurgere fingit)). Cette représentation a été rapprochée du thème iconographique de David jouant de la lyre, présent dans plusieurs manuscrits plus tardifs2. Le roi-musicien est représenté tenant une sorte de cordier, formant avec son corps à la fois une croix et une sorte de lyre ; cette scène préfigure la suivante, au verso du folio, où est représentée la Crucifixion. Même si le lien avec le chapiteau clunisien paraît lointain, il reste tout à fait clair que l’iconographie de ce dernier relève d’une construction intellectuelle complexe, mêlant plusieurs sens théologiques et allégoriques, où la figure typologique de David peut intervenir en filigrane et où la musique, performance de dépassement des contingences physiques vers l’élévation spirituelle, acquiert ses « lettres » de noblesse.

Nous avons poursuivi avec La ponctuation dans les inscriptions médiévales, ou l’architecturation du discours, par Estelle Ingrand-Varenne, actuellement en charge de la rédaction du Corpus des inscriptions médiévales au CESCM. Il s’agit d’une présentation des nouvelles recherches entamées par l’auteure, centrées sur les usages et formes de l’interponctuation dans les inscriptions. Un champ de recherche immense, puisqu’il recouvre en réalité une période allant des Grecs anciens (VIIIe siècle av. n. è.) à la fin du XVe siècle. L’intervenante a débuté son propos par les fonctions de cette ponctuation intermédiaire, qui servait avant tout à délimiter les mots, à la manière de l’espace vierge adopté pour la rédaction des manuscrits. Il s’agit là de deux solutions différentes à un même problème, rendre intelligible un texte écrit majoritairement en majuscules, au moins jusqu’aux VIIIe-IXe siècles. Estelle Ingrand-Varenne a brièvement retracé l’histoire de ce « système second de communication », d’abord inventé pour les langues sans voyelles comme le grec ou l’arabe anciens, puis employé par les Romains. L’usage en disparaît quasiment à l’époque mérovingienne, et ne réapparaît qu’au XIe siècle sous la forme de doubles et triples points qui perdurent tout au long du Moyen Âge. Les aspects pratiques, économiques et ornementaux de cette ponctuation ont été invoqués, et l’on a pu admirer la malice avec laquelle les « graveurs » médiévaux se sont parfois emparés de ce motif dont le caractère décoratif pouvait parfois l’emporter sur sa mission première d’intelligibilité. De grandes interrogations ont été soulevées ; cette pratique, apparemment si spécifique aux inscriptions et quasi absente des manuscrits, trouverait-elle par exemple son inspiration dans une imitation des inscriptions antiques qui devaient, à l’époque, être plus présentes dans le paysage monumental qu’elles ne le sont aujourd’hui ? L’interruption des périodes mérovingiennes et carolingiennes pourrait-elle n’être qu’apparente, du fait de la disparition des monuments de cette époque ?  On émettra pour finir quelques réserves sur les références faites aux études physiologiques qui, si elles peuvent décrire les processus de lecture contemporains, nous semblent difficilement transposables à la période médiévale. Il a été prouvé qu’interposer des signes de ponctuation entre les mots d’une phrase en ralentit notre lecture et notre compréhension. Une telle étude met en évidence le fait que notre mode d’apprentissage nous conditionne à interpréter un point comme la fin d’une phrase, donc comme la fin d’un ensemble sémantique. Peut-on cependant postuler qu’il en allait de même au Moyen Âge, où de toute évidence l’emploi de la ponctuation – c’est là l’objet même de la conférence – était très éloigné du nôtre, et relevait de conventions et d’un apprentissage différents ?

L’après-midi fut consacré au Décor héraldique monumental dans la ville… à Florence, présenté par Matteo Ferrari (post-doctorant au CESCM), et à Poitiers, par Laurent Hablot (maître de conférences à Poitiers). Ce fut l’occasion pour ce dernier de présenter le programme de recherche qu’il dirige actuellement, consacré au patrimoine héraldique monumental de Poitou-Charentes, qu’il s’agira d’inventorier, de protéger dans la mesure du possible et de valoriser par la suite. Sa présentation a donné un aperçu de ce travail, et de la manière dont s’affine au fur et à mesure une méthode de recherche et de classement. Les auditeurs ont ainsi pu prendre conscience de la richesse de ce patrimoine, discret et pourtant omniprésent dans la ville de Poitiers, comme le prouvent les quelques 200 éléments recensés. Situés en grande partie dans les chapelles et édifices religieux tels que la cathédrale Saint-Pierre, Notre-Dame la Grande ou Sainte-Radegonde, les blasons peuplent également des endroits moins connus ou insoupçonnés, tels que les remparts, les façades de maisons nobles ou cette petite fontaine du XVe siècle près du pont Joubert. Ils sont autant de témoins d’un évergétisme et d’une piété qui connurent leur paroxysme aux XIIIe-XVe siècles, autant de signes à relier à des familles nobles ou bourgeoises, autant d’histoires à interpréter.

Giorgio Vasari, Apothéose de Cosme Ier, vers 1565, Sala del Cinquecento, Palazzo Vecchio (© Google Art Project)
Giorgio Vasari, Apothéose de Cosme Ier, vers 1565, Sala del Cinquecento, Palazzo Vecchio (© Google Art Project) 

Matteo Ferrari a présenté un aspect plus « impersonnel » de l’héraldique, utilisée par des particuliers mais également par des institutions publiques ou des villes telles que Florence, qui se dote d’armoiries dès le milieu du XIIIe siècle. La commune et ses différents organes – parti du peuple, parti guelfe, magistratures de guerre, corporations – n’auront de cesse de marquer l’espace public de leurs emblèmes, composant autant de messages à interpréter selon les circonstances de leur placement : affirmation d’une identité florentine commune, concorde ou au contraire luttes d’influences, compromis, légitimation politique… Aujourd’hui en pierre apparente, ces blasons étaient à l’origine peints, comme en témoignent de nombreuses miniatures des XIVe et XVe siècles. Malgré les destructions liées au réaménagement du centre historique au XIXe siècle, ces armoiries demeurent très présentes dans le tissu urbain et monumental. Leur profusion n’est pas un phénomène propre à Florence, et caractérise la majeure partie des villes européennes du Moyen Âge. Il est en revanche une originalité toute florentine, consistant en l’apparition du thème iconographique de la « Florence ronde ». Ces compositions circulaires, associant à la fois l’image traditionnelle de la ville, avec ses portes, ses tours et ses remparts, aux blasons des corporations, des gonfalonieri et des institutions de la commune, apparaissent au cours du XIVe siècle et perdurent jusqu’en plein XVIe siècle, comme le montre la réinterprétation élogieuse de Vasari au Palazzo Vecchio.

Cette seconde journée s’est achevée par une présentation de l’association des étudiants et doctorants antiquisants et médiévistes, JANUA, et a également été l’occasion d’un moment de convivialité autour d’un substantifique pot.

  1. S. BIAY, Les chapiteaux du rond-point de la troisième église abbatiale de Cluny (fin XIe-début XIIe siècle) : étude iconographique – Thèse de doctorat en histoire de l’art médiéval, 2012, 518 p. []
  2. Stuttgart, Würtembergische Landesbibliothek, Cod. theol. et phil. 314, Pierre Lombar, Commentaire des Psaumes, f° 1 r° (Petershausen ? 3e quart du XIIe siècle), http://digital.wlb-stuttgart.de/digitale-sammlungen/seitenansicht/?no_cache=1&tx_dlf%5Bid%5D=1975&tx_dlf%5Bpage%5D=9&cHash=a4dbcc084db324a34cbb38cdc5f735b6 []

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